FERNANDO BOTERO

Fernando Botero Angulo es un pintor, escultor y dibujante nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín (Colombia). Icono universal del arte, su extensa obra es reconocida por niños y adultos de todas partes por igual. Es considerado el artista vivo originario de Latinoamérica más reconocido y cotizado actualmente en el mundo.

De pequeño fue inscrito en un liceo de toreros de la ciudad de Medellín a petición de un tío. Tuvo un percance con los toros, lo que hizo que él los dejara. Es de notar que en ese período hizo su primera obra, una acuarela de un torero. Una vez que su familia comprendió su vocación, Botero realizó su primera exposición en su ciudad natal (Medellín) en 1948.

Ese mismo año, Botero se trasladó a Bogotá para la inauguración de la Exposición de artistas Antioqueños, en donde presentó dos de sus acuarelas. De regreso a Medellín, realizó ilustraciones para uno de los periódicos locales (El Colombiano), lo que le acarreó la expulsión del plantel en el que estudiaba, ya que sus dibujos eran considerados como obscenos.

Una vez terminados sus estudios secundarios en 1950, Botero se instala en Bogotá (1951). Ese mismo año, Botero realiza dos exposiciones consecutivas en la galería Leo Matiz; en una de sus exposiciones, obtiene el premio del IX Salón de Artistas Colombianos ofrecido por la Biblioteca Nacional de Colombia.

Con el dinero recibido por el premio y con la venta de algunas de sus obras, Botero decidió ir para Europa. Es así como llegó a Barcelona en 1952. Luego Botero decidió trasladarse a Madrid, ciudad en la que visitó el museo del

prado, donde vio más de cerca la obra de Francisco de Goya y Velázquez. Más tarde, ganó el 2º puesto en el IX salón anual sanuak de artistas.

Tras su regreso de Italia en 1955, este artista decidió hacer una exposición en Bogotá de las obras realizadas en Europa, de las cuales obtuvo muchas críticas pues en ese momento el país estaba influido por la vanguardia francesa, lo que le acarreó casi un fracaso completo.

Luego de esta amarga experiencia, Botero decidió casarse con Gloria Zea, con quien en 1956 partió a Ciudad de México. Fue justamente allí que Botero descubrió y jugó con el volumen de los cuerpos. Un año después, expuso por primera vez en Nueva York: el éxito comenzaba a acompañarle. Fernando Botero logró intensificar sus batallas personales, sus combates lienzo a lienzo, del arte contra el tiempo y de la belleza contra la muerte.

Botero regresó a Bogotá y en el año de 1958 fue nombrado docente de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Colombia; además, ganó el segundo premio del X Salón de Artistas Colombianos con su obra La alcoba nupcial. Ese mismo año expuso en Washington, en donde logró vender todas sus obras el mismo día de la inauguración.

Con Gloria Zea, Fernando tuvo tres hijos: Fernando, Lina y Juan Carlos, nacido el mismo año en que decide separarse de su primera esposa.

En 1960, Botero regresó a Nueva York para instalarse., pues acababa de separarse de su esposa; además, sus obras no tenían mucho éxito, pues los gustos neoyorquinos de la época cambiaban rápidamente y ahora la abstracción se imponía.

Fue entonces cuando en 1961, Botero logró vender La Mona Lisa a los doce años al Museo de Arte Moderno de Nueva York. Después de haber encontrado su serenidad económica, Botero se casa de nuevo.

En 1963 cambió su residencia al East Side y alquiló un nuevo estudio en Nueva York. Es allí donde surgió su estilo plástico en muchas de sus obras de este período con colores tenues y delicados. Su pasión por Rubens se deja ver en sus obras.

A comienzos de 2008, Fernando Botero recibió el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Autónoma de Nuevo León, en la ciudad de Monterrey (México). Igualmente, presentó por primera vez en esta ciudad su colección de pinturas sobre "Abu Ghraib" y su enorme escultura en bronce titulada "Caballo".

En 1966 fue organizada en Alemania su primera exposición en Europa. Una nueva muestra en el Milwaukee Art Center recibió críticas ampliamente positivas. Es así como Botero empezó un período de muestras y exposiciones entre Europa, los Estados Unidos y su patria, Colombia. En 1969 expuso en París; fue a partir de ese momento que Botero empezó un peregrinaje por todo el mundo en busca de inspiración; se movía continuamente de Bogotá a Nueva York y a Europa.

En 1970 nació en Nueva York su hijo Pedro Botero, comúnmente llamado Pedrito. Paralelamente, su fama mundial aumentaba cada vez más y lo convirtió en ese entonces en el escultor viviente más cotizado del planeta. En 1974, cuando su hijo apenas tenía cuatro años, Botero tuvo un accidente de tránsito en España, lo que le costó la vida a Pedrito.

La muerte de su hijo dejaría trazos en la obra de Botero que, a partir de ese momento, comenzó a tener cambios profundos, considerados por la crítica como huellas de la pérdida de su hijo. Además, su matrimonio con Cecilia Zambrano no superó la pérdida de Pedrito y Botero se separó por segunda vez.

Un año antes, él se había instalado en París y había comenzado a trabajar la escultura. En 1976 Botero hizo una donación de dieciséis de sus obras al Museo de Antioquia, que le consagró una sala permanente para sus obras, la sala Pedrito Botero.

Desde 1979, cuando la primera retrospectiva de Botero fuera presentada en el Hirshhorm Museum de Washington, sus exposiciones a través del mundo no se detuvieron. En 1983 Botero se trasladó a Piedrasanta en Toscana (Italia), un pequeño pueblo famoso por sus fundiciones, lo que para Botero significaba la continuidad de su obra escultórica. Al año siguiente, Botero hizo una nueva donación al Museo de Antioquia. Esta vez se trataba de una serie de esculturas que también encontraron lugar en una nueva sala permanente dedicada a Botero en el museo.

A partir de 1983, Botero comenzó una serie de exposiciones a través de todo el mundo que aún hoy no acaba. Es así como sus obras son expuestas y por supuesto conocidas en ciudades como: Londres, Roma, San Francisco. Su obra ha pasado por la mayoría de países europeos y americanos.

Botero es uno de los pocos artistas (por no decir el único), que se ha dado el lujo de exponer sus obras en varias de las avenidas y plazas más famosas del mundo, como los Campos Eliséos en París

ACTUALIDAD

Actualmente activo, itinera entre sus afamados estudios de esculturas de Pietra Santa, Italia

En noviembre de 2011, expuso a la luz pública por primera vez, la serie de pinturas tituladas El Viacrusis en la Galería MarlBorough en Manhattan (New York).La cual donò al Museo de Antoquìa en abril de 2012.

En 2012 se han programado una serie de homenajes internacionales, con motivo de la efemérides de su natalicio número ochenta. Las celebraciones, incluyen exposiciones antológicas de sus obras en museos del Distrito Federal de México, Sao Paulo en Brasil, Pietra Santa y Asís en Italia, Santiago de Chile, Bogotá y Medellín en Colombia, New York U.S.A., Bilbao en España, Bielefeld Alemania, entre otras. Así mismo, la Presidencia de Colombia anunció un decreto en que cataloga las 479 obras de Botero que se encuentran en suelo Colombiano como de "interés cultural del ambito nacional", lo que implica medidas de protección, conservación y promoción por parte del Estado Colombiano.

ESTILO

La extensa obra de su autoría, lleva impreso un original estilo figurativo, denominado por algunos como "Boterismo", el cual les da una identidad inconfundible y conmovedora a las mismas, y se caracteriza por la interpretación que da el artista a diversas temáticas universales (el ser humano, la mujer, el hombre, sus sentimientos, pasiones, dolores, creencias, vicios, su cotidianidad, sus relaciones interpersonales, manifestaciones culturales, así como dramas, acontecimientos y personajes históricos, sociales y políticos, hitos del arte, hasta objetos, animales, paisajes y la naturaleza en general), con una volumetria exagerada y desproporcionada, ligada a una concepción anatómica particular, una estetica latina en tematicas de vocación universal, un uso magistral del color, la tridimensionalidad y finos detalles de crítica mordaz, ironía, humor, mensajes sutiles, e ingenuidad.

Su prolífica producción, está constituida por cerca de 6000 obras entre pinturas y dibujos y cerca de 400 esculturas.

Desde sus inicios Botero ha recurrido a escenas costumbristas, inicialmente con una pincelada suelta de colores oscuros (con ocasionales contrastes fuertes) cercana al expresionismo y desde finales de los sesenta, ha recurrido a una pincelada cerrada, con figuras y contornos más definidos.

A la orilla de esa carretera del arte contemporáneo, Botero ha instalado durante cinco décadas una escuela de arte con un graduado: él mismo.

En su obra reciente, Botero ha recurrido temáticamente a la situación política colombiana y mundial. Por ejemplo, la serie sobre "Abu Ghraib" está compuesta por 78 cuadros que tratan de representar los horrores de la tortura y de la guerra, relacionada con la invasión de los Estados Unidos a Irak y los sucesos de la Prisión de Abu Ghraib a partir de las declaraciones de las personas allí torturadas.Prisióne Abu de Ghraib

OBRAS

OLEOS

CARROBOMBA

VISITA DE LUIS XVI A MEDELLÍN COLOMBIA

El baño (1989)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 249 x 205 cm.
Localización: Colección del artista

La orquesta (1991)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 200 x 172 cm.
Localización: Colección del artista

Familia colombiana (1999)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 195 x 168 cm.
Localización: Colección del artista

Hombre a caballo. 1998. Óleo sobre tela. Museo Botero del Banco de la República.

MUJER BEBIENDO

HOMBRE TOCANDO GUITARRA, 1998

Fecha de creación: 1998

Técnica: Acuarela sobre papel

Tamaño: 36 x 48 cm.

Naturaleza Muerta con Sandía
Descripción: Acuarela. 96 x 112 cm.
Localización: Museo de Botero, Bogotá
1993

LAPICES

MUJER SENTADA, 1998

Fecha de creación: 1998

Técnica: Lápiz y tiza blanca sobre papel

Registro: Registro3355

Tamaño: 257 x 160 cm

CRUCIFIXIÓN, 1991

Fecha de creación: 1991

Técnica: Lápiz sobre papel

Registro: Registro3366

Tamaño: 54 x 39 cm

ADÁN Y EVA, 1990

Fecha de creación: 1990

Técnica: Lápiz sobre papel

Registro: Registro3212

Tamaño: 96 x 76 cm

PASTELES

Hombre. 1969. Pastel. Museo Botero del Banco de la República.

Mujer con pájaro. 1973. Pastel. Museo Botero del Banco de la República.

NARANJAS

ESCULTURAS

Gato, Medellín

El Rapto de Europa, Medellín

El romano, Medellín

ALEJANDRO OBREGON

Su nombre completo es Daniel Alberto Alejandro María de la Santísima Trinidad Obregón Roses

Nacido 4 de junio de 1920 en Barcelona, España,

EDUCACION:

En 1926 se trasladó con sus padres a Barranquilla, Colombia.

En su juventud viajó por España, el Reino Unido y Estados Unidos, países donde se formó como pintor

Su primer intento semi-vanguardista de distorsión espacial lo realizaría a los 19 años con “Jarro azul

Trabajó con Guillermo Wiedemann, Santiago Martínez Delgado, Enrique Grau yRicardo Gómez Campuzano

Gracias a él, el expresionismo figurativo adquirió un gran auge en Colombia a partir de los años cincuenta.

En 1958 le fue concedido el primer premio en la Bienal Hispanoamericana en Madrid,

En las décadas siguientes recibió multitud de premios, así como varias condecoraciones por su obra, entre ellas la Cruz de Rafael Núñez, en Colombia. Entre lo más conocido de su producción cabe destacar

Máscaras (1952),

Homenaje a Zurbarán (1962),

Flora (1966),

Anunciata en verde (1970)

, Sortilegio de luna (1985) y La violencia, obra que ganó el Premio Nacional de Pintura en el XV Salón Nacional de Artistas de Colombia.

Apodado por la crítica como el expositor del expresionismo romántico

Pero su fama de pintor primero es reconocida en España, con óleos como "Retrato de un pintor"(1943), "Autorretrato (1943), "Retrato de Ilva" (1944) y "El camión rojo" (1942). En el mismo año en que pinta “El camión rojo

SOBRESALE:

En sus obras fusionaba elementos abstractos y figurativos, como una forma de rebelarse en contra los purismos modernistas. En su trabajo, en ningún momento se percibe repudio a la figura en sí misma, sino a una figuración que se considera narrativa y literal; que se representa en vez de expresar o simbolizar

Su fascinación por la naturaleza colombiana persiste en todas sus obras. Cóndores, toros, barracudas, mares, jardines, paisajes, peces, gaviotas, imágenes del viento, sol y nubes, son algunos de los elementos presentes en sus obras, que tomaron dimensiones simbólicas

Muchos de los trabajos de Obregón se caracterizaron por contener una fuerte crítica política y social.

PREMIOS:

El Gran Premio Latinoamericano Francisco Matarazzo Corintio de la IX Bienal de São Paulo, por su Ícaro calcinado.

Entre 1962 y 1963, Alejandro Obregón ganó el Premio Nacional de Pintura del XIV Salón de Artistas Colombianos con La violencia

En 1963 obtuvo el primer premio de la II Bienal Suramericana de Arte que tuvo lugar en Córdoba, Argentina.

PENSAMIENTO:

Rechazaba el academicismo y al respecto decía: Yo no creo en las escuelas de pintura; creo en buena pintura y nada más. La pintura es una expresión individual y hay tendencias como personalidades. He admirado los buenos pintores, los españoles sobre todo, pero considero que ninguno ha ejercido una influencia decisiva en mi formación

Su experiencia como conductor de camión en las recién abiertas petroleras de la selva del Catatumbo, marcaría sus impresiones acerca de la naturaleza y su percepción como intérprete de ella.

OBRAS:

MASCARAS


Técnica:	Oleo sobre lienzo
Dimensiones:	2.10 x 0.80 m
Año (creación o publicación):	1952

ANUNCIATA EN VERDE

Técnica:	Acrílico sobre lienzo
Dimensiones:	110x70cms
Año (creación o publicación):	1970

CONDOR

Año : 1987

Técnica : Acrílico sobre tela

Dimensiones: Alto: 99.5 x Ancho: 99.5 x cm

LUIS CABALLERO (1943-1995)

1946 – 1947 Continuó sus estudios de primaria en el Instituto Ramiro de Maeztu de Madrid, España. Se trasladó a la península ibérica debido al nombramiento de su padre como encargado de negocios ante el gobierno español.

1948 - 1951 Al regresar la familia Caballero a Colombia, Luis siguió sus estudios de primaria en el colegio Gimnasio Moderno.

Luis caballero cuando era estudiante del Gimnasio Moderno

1952 – 1956 Eduardo Caballero Calderón Y su familia se instalaron en España. Luis Caballero reingresó al Instituto Ramiro de Maetzu. En Madrid, conoció la colección del Museo del Prado.

1960 - Obtuvo el título de bachiller en el Gimnasio Moderno de Bogotá.

1961 - Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de los Andes. Fueron sus maestros Ivan Antonio Roda I921, Luciano Caramillo 1938-I985 Y Marta Traba 1930-1983.

1962 - A fines del año su padre fue nombrado embajador ante la Unesco. Toda la familia viajó a Europa. Permaneció un tiempo en España y luego pasó a París.

1963 - Entró a la academia de pintura de la Grande Chaumiere.

1964 – En este período, su obra se vio influida por diferentes pintores contemporáneos, entre ellos el pop inglés Allen Jones 1937, el pintor francés de arte crudo Jean Dubuffet 1901-1985, el expresionista Holandés Norteamericano Willem de Kooning 1904-1997 y el interiorista inglés Francis Bacon 1909-I992.

1966 - Su primera exposición individual, compuesta por 20 obras, tuvo lugar en la Galerie du Tournesol, ubicada en la 36 Rue de Verneuil, en París.

1966 - Participó en el XVIII Salón de Artistas Colombianos. En el evento, en el cual concursaron 54 artistas que tuvo como sede la Biblioteca Luis Ángel Arango, fueron premiados Alejandro Obregón 1920-1992, en pintura, y Eduardo Ramírez Villamizar I922, en escultura.

1966 - Inauguró la exposición Luis Caballero en el Museo de Arte Moderno, ubicado en los predios de la Universidad Nacional. Su directora, la crítica colombo-argentina Marta Traba, escogió 46 obras entre óleos pasteles sobre papel.

1966 - Contrajo matrimonio en Old Lyme, Connecticut (Estados Unidos), con la artista norteamericana Terry Guitar, a quien había conocido siendo ambos estudiantes en la Grande Chaumire.

1967 - Trabajó como profesor de pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de los Andes y de dibujo en la Universidad Jorge Tadeo Lozano.

1967 - Intervino en el II Salón Bolivariano, evento que hizo parte de las actividades planeadas en el VII Festival Nacional de Arte, dedicado al poeta y escritor Jorge Isaacs, al cumplirse el centenario de la publicación de su obra. María.

1967 - Inauguró en el Museo de Arte Moderno La Tertulia de Cali, una muestra de 20 dibujos de la serie El hombre y la mujer.

1967 - Los profesores de arte de la Universidad de los Andes expusieron una selección de dibujos en la Alianza Colombo-Francesa. Allí, además de las obras de Caballero, se vieron las de Juan Antonio Roda, Santiago Cárdenas I937, Ricardo Morales Hendric Augusto Rivera 1922-1982. A lo largo del año expuso también en la Casa Mosquera de la Universidad de Popayán, la Semana Universitaria, de la Universidad Nacional, en Bogotá, y en una muestra colectiva en Pereira.

1968 - Comenzó a pintar el Políptico con el que participaría en la I Bienal Iberoamericana de Arte Cóltejer.

Expuso en la Galería UD, situada en el Parque de la Independencia, en Bogotá. Viajó a Medellín para recibir el premio de cien mil pesos por la obra que envió a la I Bienal Iberoamericana de Pintura Coltejer. Obtuvo el premio de adquisición en el Primer Salón Austral y Colombiano de Dibujo y Grabado, organizado en el marco del VIII Festival de Arte de Cali. Mostró una serie de dibujos, para celebrar el segundo aniversario de La Casa de la Cultura de Bogotá. Volvió a Francia, esta vez para quedarse. Expuso 13 dibujos en el Museo de Antioquía, en Medellín. Participó en el Salón Codex, en Buenos; en la muestra Ate colombiano actual en la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá; y en la Galería Buchholz, en Munich, Alemania.

1969 – Fue seleccionado para representar a Colombia en la Bienal de París.

La década de 1970

1970 Galería Belarca, Bogotá.

1971 Galería Belarca, Bogotá.

1973 Museo de arte Moderno, Bogotá.

1974 Museo La Tertulia , Cali; Galería Belarca, Bogotá; Bonnefanten Museum Maastrich, Holanda. 1975 Galería Fred Lanzenberg, Bruselas, Bélgica.

1976 Galería albert Loeb, París, Francia; Galería Harriet Griffin, New York; Galería La Oficina, Medellín.

1977 Galería Albert Loeb, París; Galería Jade, Colmar, Francia

1978 Galería Garcés Velásquez, Bogotá.

1979 Galería Lietzow, Berlín, Alemania. Galería Fred Lanenberg, Bruselas, Bélgica; Galería Albert Loeb, París Francia; Galería Aele, Madrid, España

La década de 1980

1980 Galería La Oficina, Medellín.

1981 Galería Lietzow, Berlín, Alemania; Galería Flammanon, Montreal, Canadá.

1982 Galería Fred Lazenberg, Bruselas, Bélgica; Sindin Gallery, New York, USA; Galería Wiegand Colonia, Alemania. FIAC 82, Galería Albert Loeb, París, Francia.

1983 Galería Baumier, Regensburg, Alemania. Galería Joachim Becker, Cannes, Francia. Galería Minotauro, Caracas, Venezuela.

1984 Galería Lietzow, Berlín, Alemania; Galería Busche, Detmold, Galería Wiegand, Colonia, alemania. Kunstmarktkoln 1984, Galería Lietzow, Alemania.

1985 Galería Fred Lanzenberg, Bruselas, Bélgica;Galería Neerman Geel, Bélgica. ARCO Madrid, España; Galería Quintero, Barranquilla; Galería Pierre Huber, Ginebra, Suiza; Galería Albert Loeb, París, Francia; Galería Ravel, Austin , USA.

1986 Galería Joachim Becker, Feria de Arte de Niza, Francia; Galería Jade, Colmar, Francia. Galería Garcés Velásquez, Bogotá. Ha representado a Colombia en la Bienal de París en 1969; en la Bienal de Sao Paulo en 1973 y en la Bienal de Venecia en 1984.

PUBLICACIONES

1977- La Noche Oscura. Album de 10 litografías sobre el poema de San Juan de la Cruz. Publicación del Museo de Arte Moderno de Bogotá. 1979- Le Chateau de Hors. Serie de 8 litografías ilustrando un texto de Bernard Noel. Ediciones Fata Morgana Montpellier, Francia. 1985- Poemas para un Cuerpo. 12 litografías sobre el libro de Luis Cernuda. Ediciones Fata Morgana, Montpellier, Francia. 1995 - Luis Caballero murió en Bogotá, tres días después de la inauguración de una muestra de 137 obras sobre papel, en su mayoría nunca antes expuestas.

ESTILO

Luis Caballero, es la versión moderna de Caravaggio. Ver su pintura es adentrarse a ese sub mundo Pasoliniano, de personajes Neorrealistas, personajes marginales salidos de ambientes de extrema pobreza donde la violencia es la única manera de expresar sentimientos o escapar del atolladero.

Estos sentimientos, aunque sean nobles, amorosos o de buena fe, siempre tendrán ligado su trasfondo violento a la Sordidez en su estado más puro.

La crítica especializada ve en Francis Bacon (1909-1992), pintor británico de origen irlandés, cuyo personalísimo estilo expresionista, basado en un simbolismo de terror y rabia, le ha convertido en uno de los artistas más originales del siglo XX.un lugar de encuentro, ve en el irlandés la inspiración del colombiano, esto reforzado por palabras del propio Caballero hablando de sus influencias, crea el equívoco. Admirar un artista no hace, necesariamente, seguir su estilo.

Bacon al ser expresionista tiende a deformar la realidad para representar lo que nos quiere decir su “Yo” interior. Caballero hace todo lo contrario, nos muestra su realidad brutal, sin deformaciones para atenuar los hechos o maquillándolos buscando agradar. Sus hombres están recostados de la misma forma que los ve el pintor; la violencia, aunque no nos guste, es real.

Por esto la obra de Caballero, es “Realista”. Claro que al estar ocupado el estilo por los pintores del siglo XIX, es necesario buscar una nueva casa. Anteponiendo el prefijo Neo al término Realismo nos da: Neorrealismo, más acorde a nuestros tiempos e historia. Mas acorde con la obra de Luis Caballero. Término usado en el cine, pero ya es hora de desempolvarlo y utilizarlo en la pintura, con Caballero no hay excusa para tapar la nueva realidad o ponerle un condón.

Caballero casi nunca salió del monocromismo en su obra. Creó su universo personal, rodeado de esos personajes con sordidez sensual y rostros ocultos, que terminaron atrapándolo en su temática pictórica.

Sus torsos demuestran la técnica del artista consumado, vemos movimiento en esos músculos tensos, la angustia sale del alma de esos rostros sin esperanza.

En su conjunto vemos espacios claustrofóbicos ocupados con seres sufriendo un dolor intenso; buscando una expiación por pecados cometidos o por cometer, o quizás como una antesala al placer absoluto.

La similitud entre Caravaggio (1573-1610), pintor italiano, uno de los exponentes más destacados de la escuela naturalista que surgió en Italia como oposición a la corriente manierista triunfante durante el siglo XVI. Los protagonistas de sus obras ya no son modelos ideales de yeso, sino tipos vulgares y corrientes sacados de la vida cotidiana: mendigos, echadores de cartas, prostitutas, borrachos y jornaleros.A caballero los sigue hasta la muerte, al igual que el milanés, Caballero anticipa su propia muerte, falleciendo como un personaje de sus cuadros. Ultrajado en su espacio más intimo, no pudo vencer una pelea desigual desde el comienzo. Su adversario lo hizo sufrir más que cualquiera de sus personajes anónimos, casi nunca le puso título a sus creaciones, el Sida se llevó su talento y su vida.

“El erotismo es lento y el sexo es rápido…” Decía Luis Caballero en una entrevista. Catalogar la obra de Caballero escondiéndola bajo un manto de prejuicios morales rancios es rápido; admirar su obra es lento.

OBRAS:

Autorretrato 1979 plumilla/papel 29x39 cms

EXPOSICION DE CUERPOS (Galería el Museo)

EXPOSICION MALOS PENSAMIENTOS (Museo Zenu de Arte Contemporáneo)

DESNUDO FEMENINO DE ESPALDAS (Aguada sobre papel.96x67cm.Ubc.: Uniandinos)

MARÍA DE LA PAZ JARAMILLO

María de la Paz Jaramillo,conocida como Maripaz Jaramillo (n. 1948) es una artista plastica colombiana, destacada principalmente en la pintura, nacida en Manizales, Caldas y egresada de Bellas Artes de la Universidad de los Andes. Se le considera una de las principales representantes del movimiento expresionista colombiano.

Dice María de La Paz Jaramillo que Cali es, en su vida, una suerte de lugar de formación definitiva. Como en todas las historias, y en todas las vidas, la geografía que Maripaz traía en el alma, en 1976, al llegar a la capital del Valle, era una combinación de escuela -estudió en la Universidad de los Andes y en Inglaterra-, vida -se dedicó arduamente a trabajar temas sociales en el taller del italiano Giangrandi- y amor; llegó a la Sultana en compañía de su esposo, el arquitecto Benjamín Barney.

Pintora dedicada, recuerda que sus cuadros en ese entonces tenían una carga de tonos planos, rojos sobre blancos, negros sobre rojos, que eran parte de una búsqueda iniciada en Bogotá, en pleno centro de la ciudad por donde divagaban los margínales que ella ya hacía el tema de sus pinturas.
En un taller ubicado en " la avenida Belalcázar, a la orilla del río y a la altura del barrio El Peñón', como lo recuerda Juan Gustavo Cobo Borda, María de la Paz Jaramíllo haría extensiva y definitiva esa búsqueda que había iniciado con las prostitutas en Bogotá. Cali en los setenta. " El lugar no podía ser más adecuado", recuerda ella, con sus ojos abriéndose y cerrándose como dos estelas de luz. "Caminaba todas las mañanas, desde la primera vez que llegué hasta el Museo La Tertulia, un epicentro que iría definiendo mi camino".

Entre la agitada actividad de una ciudad que contaba con referentes ya consagrados en el teatro como el caso del Teatro Experimental de Calí (TEC) y Enrique Buenaventura;, María de la Paz encontraría en un grupo conformado por Ever Astudillo, Óscar Muñoz y el fotógrafo Fernell Franco un espacio definitivo para iniciar una de sus famosas series: la de la salsa.
"Las parejas, el color, la música, fueron aclarándome la primera sensación que tuve al llegar a Calí: la exuberancia y lo urbano se iban fusionando, iban haciendo un todo", ha dicho.
Así, con la certeza de que aquello que veía era una verdad para su obra, su pintura se fue llenando de color. Dejó de lado los tonos negros y rojos, y su trabajo "se fue llenando de humor", como aclara Cobo Borda. De humor y de desamor, de bailes y fiestas y verbenas: algo que ella hoy llama con humor también, "una especie de pop kitsch latíno amerícano". Además, claro, de algo en que Marípaz no deja de insistir hoy en día: la presencia de lo político. De una suerte de crítica social que apareciera bajo el velamen de la obra misma, y que dijera cosas. "Celebrar la fiesta pero también ver qué había en ella", dice.

La salsa entonces, o mejor, las parejas que bailan y se entrelazan, y se vuelven un mismo cuerpo que danza una misma canción, van configurando algo que Marípaz trabajaría después en series en las que íncluiría a cantantes como Míchael Jackson o julio Iglesias, epítomes de masas. En su caso, ella va aclarando que más allá de representar se trataba de contar una historia. "Toda mi pintura se puede leer como un capítulo de mí vida. Y ahí está, para la muestra, una época llena de color, de calor en donde discutíamos y hacíamos proyectos y dibujábamos y también, claro, bailábamos".

Duró algo más de cuatro años en la ciudad. Y fue construyendo con sus contemporáneos unas telas que quedan como el inicio de algo que Antonio Caballero ha llamado "el disfraz del disfraz". Sus obras como el reflejo de algo planeado, del baile que es escenografía, de la seducción como escenario.

Hoy, Marípaz, afianzada después del tiempo, sigue pintando el mismo cuadro con más dureza, "más de frente", y claro, no ha dejado de querer y sentir a Cali como la ciudad de sus amores. Y la salsa, como una de sus pasiones.

Premios y distinciones

Algunos de los premios, reconocimientos y distinciones que Maripaz ha obtenido a lo largo de su carrera son:

En 1969 obtiene el primer premio a su labor artistica, en un concurso organizado por la Universidad de los Andes en el que presentó un Bolivar en pintura y collage sobre tela.
En 1974 gana el primer premio del XXV Salón Nacional de Artistas por su serie de grabados en metal La Señora Macbed
En 1976 los grabados en metal La novia y La viuda la hacen merecedora del segundo premio del Salón Regional de la Universidad del Valle; y por el grabado Manuela Sáenz obtiene medalla de oro en el Intergrafik 76 organizado en Berlín; premio que obtendría nuevamente en el Intergrafik 80 de 1980 por la serigrafíaTú amor no me conviene
En la Bienal Americana de Grabado de 1977 obtiene el tercer lugar por la serigrafíaLa voz dorada
En 1982 participa en la Bienal de Artes Gráficas de Irlanda y obtiene el segundo premio.

OBRAS:

"MARIA DE LA LUZ" Grabado, serigrafía.

REINAS TROPICALES, 1994 (Acrílico sobre tela. 150x150cm. Colección Banco de la Republica)

LA SEÑORA MACBETH (1974. 50x45cm. Grabado Aguafuerte)

EDGAR NEGRET

1920 Nace el 11 de octubre en Popayán, décimo último hijo de Rafael Negret Vivas, general del ejército e historiador, y de María Dueñas Rodríguez, mujer de profunda religiosidad y aficionada a la pintura.

1933-37 En su ciudad natal estudia bachillerato en la sección correspondiente de la Universidad del Cauca.

• 1938-44 Estudia en la Escuela de Bellas Artes en Cali, especializándose en escultura.

• 1943 En el Palacio de Bellas Artes en Cali presenta su primera exposición individual.

• 1944 Conoce en Popayán al ceramista y escultor español Jorge Oteiza, de quien recibe nuevas ideas estéticas y conocimientos a través de libros y reproducciones,

1945 En octubre participa con “Virgen” en el VI Salón de Artistas Nacionales de Colombia, en la Biblioteca Nacional en Bogotá. Conoce en esa ciudad a los pintores Enrique Grau y Alejandro Obregón.

1949 Perfecciona sus estudios en la Clay Club Sculpture Center de Nueva York (hoy New York Sculpture Center) en donde aprende de manera especial el ensamblaje de metales. Realiza entonces en láminas metálicas y alambre algunas obras casi del todo abstractas como “El rostro de Cristo”, “El nido”, “Arlequín”, “Vaso con flor”. Conoce en esa ciudad a Ward Bennett y a Louis Nevelson, con la que mantendrá siempre una gran amistad.

• 1953 Viaja por España, en Barcelona es fuertemente impactado por la arquitectura de Gaudí. Realiza en Madrid las escultura en yeso “Columna conmemorativa de una masacre”, “Homenaje a Gaudí”, “Prometeo”, “Uptown-Downtown”, entre otras. Participa en Londres en The Unknown Political Prisioner Contest. En invierno se instala en la isla de Mallorca (hasta 1954), en donde estudia a profundidad los trabajos en hierro forjado de los artesanos locales. Con la ayuda de algunos de los artesanos del lugar realiza una serie de esculturas abstractas en hierro soldado, pintando luego en varios colores mates (negro, rojo, azul o blanco). Ese año ejecuta “Construcción acústica”, “Señal para un acuario”, entre otras.

• 1954 “Señal para un acuario” es adquirida por el Museum of Modern Art de Nueva York.

• 1963 Después de una ausencia de 15 años, en agosto se reinstala en Bogotá, en donde dirige el nuevo Departamento de Escultura de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de los Andes. Influido por el paisaje colombiano, comienza a producir esculturas cada vez más complejas y exuberantes. Pinta entonces, cada escultura con un solo color plano, por lo general rojo, a veces blanco o negro. En los años subsiguientes iniciará otras series propiamente bogotanas, como Navegantes, Acoplamientos (Géminis), Edificios, Puentes, Templos, Escaleras, Andes, Árboles, Bosques, Metamorfosis y las diversas series de prototipos de “etapa andina”. En octubre obtiene, con “Vigilante” el Primer Premio en el XV Salón de Artistas Nacionales, celebrado en la Biblioteca Nacional en Bogotá. Con diez piezas de su serie Eclipse participa en la muestra de escultura en el Festival dei Due Mondi en Spoleto, Italia, en donde participan los venezolanos Jesús Soto, Carlos Cruz-Diez y Alejandro Otero.

• 1981 En mayo, un Acuerdo del Consejo Municipal de Popayán, ordena “la creación y establecimiento de la Casa Museo Negret, en la cual deberá reposar la obra artística que para dicho fin donará a la ciudad el Maestro Edgar Negret”. Es incluido también en las muestras Arte Colombiano del siglo XX Figuración expresionista y primeras abstracciones, Años cincuenta, en el Centro Colombo-Americano de Bobota (11 septiembre – 22 octubre), y Arte Latinoamericano Contemporáneo y Japón, exhibida en el Museo Nacional de Arte Osaka, Japón (2 octubre-6 diciembre).

1982 En agosto hace donación de un numeroso conjunto de sus obras más importantes, así como de una serie de valiosos documentos escritos y fotográficos, con objeto de constituir el patrimonio fundacional de la naciente Casa Museo Negret (su inauguración oficial será en marzo de 1985). Realiza “Machu-Pichu”, primera de las obras de su “etapa incaica”. A partir de ahora tiende a aplanar las formas, abandona cada vez más las incurvaciones de la lámina, y comienza a producir obras bastante cerradas, planas y rectilíneas, con cierto predominio de la simetría, y un gusto cada vez más acentuado por la policromía, con utilización de todos los colores del arco iris, además del negro y los grises. Expone individualmente en el Contemporary Sculpture Center de Tokio (4-30 noviembre) y Osaka, Japón (6-28 diciembre). Participa en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (ARCO) de Madrid.

• 1985 En Popayán funda a finales de marzo con la asistencia del Presidente Belisario Betancur, la Casa Museo Negret, donando y acondicionando como espacio expositivo su propia casa familiar. Ejecuta en varios tamaños las esculturas “Sol”, “Luna”,” La Casa de las Serpientes” y “Reloj andino”.

1989 Es incluido en la colectiva “Arte Colombiano. Doce maestros contemporáneos”, presentada en la Embajada de los Estados Unidos en Bogotá (marzo).

1994 Con un amplio grupo de obras de su colección privada, que corresponden a famosos artistas nacionales e internacionales, inaugura a mediados del mes de junio, el Museo Iberoamericano de Arte de Popayán MIAMP -prolongación de la Casa Museo Negret creada en 1985-, con asistencia del Presidente César Gaviria Trujillo, quien le impone la Cruz de Boyacá.

La Casa Museo Negret se encuentra ubicada en la calle 5a. No. 10-23 en el sector histórico de Popayán. Fue construida en 1781 al estilo de las casas sevillanas, como residencia de los esposos Ricardo Vejarano y Barbará Segura Caldas. Pasó luego a ser propiedad de su yerno Hilarión Ríos y Rafaela Vejarano. Esta última la vendió en 1930 al General Rafael Negret Vivas (padre del maestro Edgar Negret Dueñas), quien se estableció en ella con su familia.

Reconocimientos otorgados al maestro Edgar Negret Dueñas a lo largo de su carrera artística

• 1946 Tercer Premio de Escultura, VII Salón Nacional de Artistas – Colombia.

• 1956 Beca UNESCO – Estados Unidos.

• 1963 Primer Premio XV Salón Nacional de Artistas, Biblioteca Nacional, Bogotá – Colombia.

• 1964 Primer Premio del Festival de Esculturas de Arte de Cali – Colombia.

• 1964 Primer Premio IV Salón Anual de Cúcuta – Colombia.

• 1966 Medalla de Plata, VIII Bienal de Sao Paulo – Brasil.

• 1967 Gran Premio XIX Salón Nacional de Artistas, Biblioteca Nacional, Bogotá – Colombia.

• 1968 Gran Premio de Escultura David Bright XXXIV Bienal de Venecia, Italia.

• 1974 Primer Premio de Escultura Peldar, Medellín – Colombia.

• 1974 Gran Cruz de Belalcázar, otorgada por el Honorable Consejo Municipal de Popayán – Colombia.

• 1975 Beca John Simon Guggenheim Foundation, Estados Unidos.

• 1986 Condecoración Maestros de la Plástica, otorgada por el Presidente de Colombia Doctor Belisario Betancur.

• 1988 Medalla de la Ciudad de Akita, otorgada por el Alcalde Sr. Keiji Takada – Japón.

• 1994 Condecoración Cruz de Boyacá, otorgada por el Presidente de Colombia Doctor César Gaviria Trujillo.

• 1997 Premio al Mejor Artista Extranjero en ARCO, otorgado por la Asociación Española de Críticos de Arte, Madrid - España.

• 1998 Condecoración Orden Andrés Bello, Caracas – Venezuela.

• 2010 Galardón Gran Orden Ministerio de Cultura, ortorgado por el Gobierno Nacional de Colombia.

• 2010 Orden del Congreso de la República de Colombia en grado de Oficial, otorgada por el presidente de esa corporación Doctor Armando Benedetti.